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How to Make Great Photographs

or

"Everything You Really Needed to Learn About
Photography That They Didn't Teach You at Brooks"

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INTRODUCTION

« La photographie se définit par la puissance de l'observation, non par l'application de la technologie. » Ken Rockwell.

Comment ai-je produit tous mes meilleurs clichés? En observant quelque chose d'intéressant et en saisissant l'image. La partie importante est d'observer quelque chose de captivant. Prendre la photo est facile.

Votre caméra n'a RIEN à voir dans la réalisation de photographies superbes. Vous devez maîtriser la technique évidemment, mail il s'agit seulement d'une tâche qu'il faut dépasser pour confronter la partie vraiment difficile. Celle-ci consiste à dire quelque chose avec vos images.

La photographie est un art. C'est abstrait. Par conséquent, c'est difficile à comprendre pour plusieurs personnes. Il est facile et peinard de croire que la caméra crée les photos. Il est simpliste de blâmer la caméra pour de mauvais clichés. Lorsque vous deviendrez plus habile, vous réaliserez qu'il aurait mieux valu apporter plus attention à vos images et moins à votre caméra.

Toutes les caméras, surtout les appareils numériques, offrent à peu près la même qualité d'image pour une utilisation réelle. La vraie différence réside dans la possibilité ou l'aisance à faire les ajustements requis pour obtenir des photos décentes dans chacune des différentes circonstances de tous les jours. Les mires d'essai photographiées sous des conditions contrôlées ignorent complètement le monde réel; elles comparent ainsi un aspect limité de la performance sous une seule combinaison de conditions. C'est pourquoi ces essais n'ont rien à voir avec ce qu'auront l'air vos images. C'est pour cette raison que je mets de côté les essais de laboratoire et que j'expérimente simplement par moi-même. Le travail de laboratoire est utile pour départager des caméras semblables avec des détails autrement invisibles pour la vraie photographie; c'est tout.

La photographie est semblable au golf. Ils sont tous les deux amusants, populaires et requièrent un certain équipement. Pour la même raison, très peu de gens peuvent réussir à se faire payer par d’autres personnes pour exécuter l'une ou l'autre de ces tâches. Chacune exige une vie de constante pratique, pour devenir meilleur peu à peu. La plupart des golfeurs jouent pendant des décades et ne frappent jamais un trou d'un coup. La photographie est plus complexe que le golf. Comment quelqu'un peut-il s'attendre à réaliser un cliché parfait?

PATIENCE

Vous ne pouvez pas être sur un horaire fixe. Vous devez sortir, regarder autour de vous et attendre la lumière et l'inspiration.

Plusieurs excellents clichés sont réalisés après des années d'observation du sujet, notant quand son apparence est la meilleure et en retournant le photographier lorsqu'il est à son plus spectaculaire. C'est la façon que les vrais photographes ont pour faire apparaître tout extraordinaire.

Si vous voyagez avec des non-photographes, vous devrez aménager correctement votre horaire puisque vous serez en train de photographier lorsque les gens ordinaires sont en train de manger leur repas du soir ou encore en plein sommeil le matin.

Je trouve cela difficile si quelqu'un s'attend à se que je garde une cédule. Vous sortez selon les humeurs de la nature ou sous le coup de vos idées brillantes, parfois un peu folles. Quelques fois, vous serez de retour dans dix minutes, alors qu'à d'autres occasions, vous serez parti toute la nuit, si vous vous êtes enthousiasmé à propos d'un sujet.

Vous vous paralysez si quelqu'un s'attend à ce que vous reveniez à une heure précise. J'ai réalisé mon meilleur travail lorsque j'ai laissé le groupe aller à son rythme et que j'ai travaillé sur un sujet qui m'intéressait.

La vivacité d’esprit ne travaille pas sur un horaire fixe.

GARDEZ VOS YEUX OUVERTS

Vous voyez plus si vous observez. Plus vous regarderez, plus vous trouverez de choses dignes d'être photographiées. Si vous ne réfléchissez pas ou n'examinez pas, vous passerez à côté des opportunités les plus extraordinaires.

Par exemple, j'ai habité dans le vrai Beverly Hills de 1995 à 1998. J'étais sur Maple Drive, la même rue que George Burns. Je n'ai jamais vu de vedettes. Je constatais qu'elles avaient vécu à Beverly Hills lorsque je lisais une chronique nécrologique. Je me disais alors « Eh bien! », ne les ayant jamais vues, même si elles n'habitaient qu'à un seul pâté de maisons de chez moi. Je ne les remarquais que rarement lorsque j’étais dans les studios toute la journée, tous les jours. Pourquoi? Cela ne m’intéressait pas et je ne les cherchais pas. Si j’étais un touriste ou une ménagère qui lit le magazine People et qui trouve les acteurs intéressants, je suis certain que j’aurais vu des vedettes quelques fois à tous les jours. Lorsque j’avais des invités, ils voyaient des acteurs partout.

Les acteurs étaient partout, mais je ne les voyais jamais. D’autres personnes les observaient. Si vous faites attention à quelque chose, vous la verrez; sinon, vous ne la verrez pas. Les meilleures photos ne sont pas évidentes. Les belles opportunités photographiques ne sautent pas aux yeux, si vous ne regardez pas. C’est pour cette raison qu’elles sont appelées des opportunités. Comme toute autre opportunité, vous devez être attentif pour les reconnaître.

Les opportunités photographiques sont omniprésentes. Portez attention, gardez vos yeux ouverts et essayez de les trouver.

INTIMITÉ

La création est un acte solitaire. Je ne peux pas produire de photos si je suis distrait, surveillé ou questionné. J’ai besoin d’être seul avec moi-même et de me concentrer.

Il est acceptable de sortir en groupe et de faire de la photo. Vous aurez besoin de vous séparer et de travailler par vous-même lorsque vous serez rendu à destination. Sinon, toutes les personnes dans le groupe feront les mêmes clichés, identiquement médiocres. Séparez-vous et trouvez ce que vous voyez, et, alors, réunissez-vous à la fin pour socialiser.

PASSION

La photographie doit communiquer la passion et allumer l’intérêt dans l’esprit et le corps d’une autre personne. Si vous ne vous intéressez pas au sujet, alors les résultats ne dépasseront pas les rudiments techniques. Portez attention du fond de votre coeur et des choses incroyables arriveront. Ne vous intéressez pas vraiment et vous serez rapidement oublié.

« Si je ressens fortement quelque chose, je fais une photographie. Je n’essaie pas d’expliquer ce sentiment. » Ansel Adams.

La photographie est l’art de communiquer la passion. Vous avez besoin d’être passionné à propos de ce que vous êtes en train de photographier. Si vous êtes enthousiaste, vous obtiendrez de beaux résultats; si cela ne vous intéresse pas, vous n’en aurez pas.

Le but d’une photographie n’est pas la technique. Une image doit communiquer quelque chose, que ce soit une idée, un concept, un sentiment, une pensée ou autre chose à un total inconnu. Pour qu’un cliché soit efficace, vous devez être limpide à propos de ce que vous voulez communiquer. Ansel Adams a dit « Il n’y a rien de pire qu’une photographie claire d’une idée floue. » Il est primordial que votre idée, votre pensée ou votre sentiment soit totalement compréhensible dans l’image. Simplement pointer une caméra dispendieuse et très bien ajustée vers quelque chose ne crée pas une bonne photo. Maîtriser ce que vous dites et l’énoncer clairement constituent les éléments d’une image forte dont les gens se rappelleront. Si cela ne vous dit rien, cela en dira encore moins aux autres.

« La preuve du pudding tient dans sa consommation. » Cervantès, Don Quichotte, 1605. Cervantès observe que c’est le résultat final qui compte et non le processus.

De façon semblable, l’équipement n’a absolument rien à voir. La technique est seulement une façon de libérer votre habilité à communiquer, et non la communication comme telle. Plusieurs personnes blâment l’équipement pour leurs difficultés; elles pensent simplement que des acquisitions supplémentaires vont résoudre leurs problèmes. Ceci a pour conséquence de leur prévenir tout effort mental autre que celui de magasiner pour plus d’équipement. Vous seriez plié en deux si vous voyiez les courriels que je reçois sur ce site : 99% proviennent de personnes qui croient que tout ce qu’elles ont à faire est de dépenser de l’argent pour que de belles images en découlent. Vous devez être intimement impliqué et prendre vos sentiments au sérieux. Vous n’avez pas besoin d’argent ou de plus d’équipement que vous n’en possédez déjà. J’utilise même des caméras bon marché sans ajustements et j’obtiens malgré tout de belles images.

De même, vous devez dépenser du temps presqu’à tout coup. Vous ne pouvez normalement pas prendre seulement cinq minutes et espérer de faire un travail décent. C’est bizarre le nombre de fois où je suis dans un endroit populaire et que je vois des douzaines de touristes différents sortir, prendre un cliché et disparaître pendant que je suis encore en train de me concentrer, de sentir et de comprendre l’image que je suis sur le point de faire. Vous ne devriez pas normalement avoir à bousculer ces choses!

Tout est dans votre esprit et dans votre imagination.

On ne peut pas toujours faire la même chose. Il est nécessaire de constamment innover et de découvrir de nouvelles façons de réaliser ce que vous avez déjà fait. Voyez et sentez les choses sous des angles différents et de diverses manières.

Vous devez persister avec votre sujet de prédilection. Plus vous le connaîtrez, meilleurs seront vos résultats.

Le sculpteur Henry Moore l’a très bien énoncé : « L’art est l’expression de l’imagination, pas la reproduction de la réalité. »

Le photographe Eliot Porter a dit : « L’art véritable n’est qu’une expression de notre amour pour la nature. » et « Une véritable oeuvre d’art est une création de l’amour, amour pour le sujet en premier lieu et, pour le medium, en second lieu. »

Charles Sheeler a dit : « La photographie, c’est la nature vue à l’extérieur à partir des yeux, tandis que la peinture enregistre vers l’intérieur à partir de ceux-ci. La photographie enregistre de façon inaltérable l’image unique, tandis que la peinture capte une multiplicité d’images délibérément dirigées par l’artiste. »

Et même Albert Einstein offre : « L’imagination est plus importante que la connaissance. »

Un bon photographe fait de belles images à partir d’une caméra jetable parce qu’il en connaît les limites et sait les utiliser. D’autre part, beaucoup de mauvaises photographies sont faites chaque jour en utilisant des caméras très dispendieuses par des gens manquant de passion et de vision, nonobstant leur adresse technique ou le piqué de leurs objectifs.

Les humains écrivent des romans et non les dactylos. Alors pourquoi certaines personnes croient qu’acheter une caméra différente ou d’apprendre tout à propos des vitesses d’obturation vont les aider à faire de meilleures images? Les gens font les photographies, non les caméras. Votre choix de caméra n’a RIEN à voir avec rien. RIEN.

« La photographie amène l’ordre dans le chaos. » Ansel Adams.

La peinture est l’art de l’inclusion. La photographie est l’art de l’exclusion. Essayer de tout rentrer dans un cliché garantit une pauvre image. Tout ce qui ne contribue pas à une photo distrait. Gardez vos images propres et simples.

Moins est plus; moins on en retrouve dans le cadre, plus forte est l’image. La simplicité est une grande vertu.

Je vais prendre quelques sections pour expliquer ce qui n’est pas important. Si vous comprenez déjà ceci, vous pouvez alors sauter aux sections importantes commençant plus loin avec « INTÉRÊT ».

1.) POUR COMMENCER

N’achetez rien maintenant. Vous pouvez créer des images magnifiques avec N’IMPORTE QUELLE caméra. Trop de personnes croient que le magasinage d’une caméra est la première chose à faire dans la quête pour de belles images. J’ai besoin d’expliquer que cela devrait être vraiment votre dernière préoccupation. Quelques uns d’entre nous possèdent des caméras huppées parce nous sommes riches et que ces outils rendent la photographie plus commode. Elles n’ont rien à voir avec la qualité finale des images.

Ce que vous ayez déjà est tout ce dont vous avez besoin, même s’il s’agit de caméras non ajustables ou même jetables. Croire que vous avez besoin de plus vous fait manquer des choses aujourd’hui puisque vous vous demanderez « si seulement j’avais ... »

« La nécessité n’est pas un fait, c’est une interprétation. » Friedrich Nietzsche.

Suivez des cours d’art, de peinture, de dessin ou de design à votre collège local. Apprenez à voir. Vous pouvez vouloir commencer par lire des livres que je suggère sur l’art et la composition. Je n’ai jamais suivi de cours de photo. Tous apprennent différemment; j’apprends en lisant, en faisant et en voyant.

Les photographes dont j’admire le travail le plus souvent sont d’anciens peintres ou, au moins, des gradués en art; non des gens avec des diplômes en informatique, en génie, en science ou en photographie technique.

Demandez de l’aide à des artistes lorsque vous commencez. Demandez-leur comment voir, montrez vos images et sollicitez des suggestions. Ils verront des choses que vous n’avez pas encore captées et ils vous aideront à ouvrir vos yeux pour faire de meilleures images.

Évitez l’ami, le voisin ou le collègue de travail qui travaille en informatique, en science ou en génie et qui parle toujours de caméras. La passion de ces personnes est habituellement seulement pour les caméras ou les ordinateurs eux-mêmes, et non au sujet de la photographie proprement dite ou de l’art d’exprimer leur imagination de façon visuelle. Méfiez-vous des gens qui préfèrent parler des outils plutôt que de réellement faire des photos. Pour un athlète qui pratique véritablement des sports professionnels, il existe des milliers de gens qui regardent ces sports à la télévision et qui parlent sans fin de statistiques sportives. Vous voulez parler à la personne rare qui pratique réellement.

De même, oubliez l’internet. En commençant, vous avez besoin de beaucoup plus d’information que les présentations sommaires disponibles sur internet et partagées sur mon site. J’aimerais vous aider en personne puisque ces informations sont trop complexes pour être comprises par courriel. L’apprentissage est un processus à deux voies, non des séries de courriels à sens unique et des lectures sur le web.

Soyez aussi averti : l’internet est encore surchargé par les gens techniques qui l’ont inventé. Ceux-ci sont les dernières personnes dont vous voudriez apprendre, puisqu’ils sont habituellement des fétichistes d’équipement et non des artistes. Ils sont probablement ceux qui bâtissent des sites web ou perdent leur temps dans des groupes de discussion sur la photo ou dans des groupes d’utilisateurs. Attention.

Parlez à des photographes professionnels, pas à des amateurs. Si vous ne connaissez pas de professionnels, regardez dans les pages jaunes ou demandez dans un laboratoire photo professionnel. Certains photographes professionnels aiment vraiment leur travail et vous en parleront pendant des heures, si vous le demandez gentiment.

Trouvez des gens dont vous admirez les photos et posez des questions. Découvrez des personnes dont vous appréciez l’art et demandez aussi. Évitez les collectionneurs de caméras et ceux qui possèdent beaucoup de caméras dispendieuses. Ne parlez pas à quelqu’un qui discourt sans fin au sujet de la technologie du film, mais qui n’a jamais fait de photographies que vous admirez. Discutez avec des ingénieurs et vous perdrez tellement la tête à vous faire du souci pour votre caméra que vous ne sortirez jamais et ne ferez plus de photos.

Essayez « The Nikon School », un visionnement de diapositives qui dure une journée et coûtait 100 dollars quand j’y ai assisté en 2001. On y présente plus dans la première heure que dans la plupart des cours de photo en un semestre. Portez attention.

Vous connaissez les meilleures classes à suivre? Oubliez les écoles huppées. Informez-vous auprès de votre collège communautaire local ou à l’éducation des adultes. Vous trouverez des professeurs qui aiment ce qu’ils font et qui partageront le monde avec vous si vous le demandez simplement. Encore mieux, ces cours ne coûtent habituellement pas plus de 100 dollars, si ce n’est pas gratuit, selon votre lieu de résidence.

Ne perdez pas trop de temps pour étudier la « photographie ». La plupart des cours de photo vous font perdre du temps créatif en présentant des concepts obsolètes à propos des ouvertures de diaphragme et des sensibilités de films. Ils montrent rarement comment créer les images que vous voulez vraiment faire. C’est important d’être à l’aise avec les concepts techniques, mais ceux-ci ne sont qu’un point de départ. Beaucoup de personnes passent tellement de temps avec la technique qu’ils oublient complètement que les méthodes et l’équipement ne sont qu’une petite étape dans le long chemin pour la création de belles images.

J’enseigne la photographie très différemment des vieux croulants. Dans les premières 150 années, soit environ de 1835 jusqu’aux environs de 1985, avec l’introduction des premières cellules d’exposition à lecture matricielle (par opposition aux cellules photoélectriques ordinaires), il était nécessaire de s’encombrer de plusieurs inconvénients techniques avant de pouvoir produire quelque photo que ce soit. C’est seulement depuis une dizaine d’années que la plupart des caméras sont capables de se régler elles-mêmes sur une large gamme de conditions de lumière. Plusieurs vieux routiers n’ont pas appris que, pour la plupart des gens, il est possible de complètement négliger les réglages de la caméra. C’est vrai, j’utilise en automatique la mise au point et l’exposition programmée autant que je le peux!

C’est triste lorsque des gens me demandent de suggérer une caméra qui comble les pré-requis pathétiques d’une classe débutante de photo, ce qui requiert parfois une caméra manuelle totalement obsolète. Fuyez ces cours et apprenez à apprécier un appareil même sans réglages par l’utilisateur. L’automatisation est une bonne chose : la caméra ne réfléchit pas pour vous, elle ne fait que régler la mise au point et l’exposition, tâches qui requièrent rarement de pensée créative. Les caméras automatiques libèrent vos élans inventifs pour les concentrer sur ce qui est important, soit la chaleur, la passion, le feu, la composition, l’expression et l’éclairage.

Je vous suggère de sortir et d’essayer d’exprimer vos sentiments attentivement et de voir ce que vous obtenez. Lorsque vous serez à l’aise avec cette étape, vous pourrez demander les avis techniques d’un vrai connaisseur. C’est plus important de trouver les choses qui vous passionnent et de tendre en premier lieu à transmettre ce feu à travers vos images.

2.) OUBLIEZ LA TECHNIQUE LORSQUE VOUS DÉBUTEZ

« Je ne suis pas un scientifique. Je me considère comme un artiste qui utilise certaines techniques pour libérer sa vision. » Ansel Adams dans son autobiographie, page 254.

S’inquiéter des réglages d’exposition manuelle et de la technique vous distrait de votre passion, tout comme si votre partenaire s’arrêtait pour répondre au téléphone en plein milieu d’un moment intime.

Plusieurs personnes croient encore à tort que la maîtrise des problèmes simples comme les vitesses d’obturateur et la profondeur de champ sont tout ce qu’il y a à connaître à propos de la photographie. Ces éléments ont aussi peu affaire avec la photographie que la réparation de dactylos en a à voir avec la composition d’un roman. Ce sont des maux nécessaires et, en aucun cas, le point essentiel.

Pour les appareils à grand format comme le 120 et le 4x5, vous devrez probablement apprendre des techniques parce que ces caméras ne sont pas produites en quantités suffisantes pour que leurs manufacturiers justifient les efforts requis pour les automatiser. Pour le 35 mm et le numérique, presque toutes les caméras peuvent faire elles-mêmes mieux que la plupart des gens qui insisteraient pour les régler manuellement. Ne vous inquiétez pas à propos de la technique à moins que vous en soyez obligé. La plupart des images que vous voyez dans mes galeries ont été croquées en mode automatique programmé. Mentionnez ceci à votre professeur de photo.

Faites attention, je connais des personnes qui apprécient avoir à jouer avec les réglages de leur caméra grand format. Ceci est acceptable, mais ne laissez pas cela vous induire en erreur en vous faisant trop de soucis. Commencez avec une caméra automatique pour que vous puissiez apprendre d’abord les points importants sur la façon d’exprimer vos sentiments.

Les vieux croulants aiment se sentir importants en vous faisant croire que vous en avez besoin pour vous montrer des secrets pour ajuster votre caméra. Ils essaieront de vous faire croire que tout ceci est requis pour faire des photos. Ils insisteront que vous perdiez votre temps avec des réglages manuels d’exposition. Si vous êtes assez crédule pour croire ceci, vous dépenserez aussi tout votre temps à vous inquiéter pour savoir quel objectif est le plus piqué au lieu de produire votre propre exposition au musée Whitney.

Il y a 150 ans de technologie photographique programmée dans votre caméra 35 mm ou numérique. Utilisez-la.

Ma suggestion est de commencer avec votre appareil réglé sur l’évaluation matricielle de la lumière, sur l’exposition automatique programmée et sur la mise au foyer automatique! Vos images seront réellement meilleures que celles produites par les gens qui perdent leur temps avec les méthodes manuelles parce que la plupart des caméras possèdent une meilleure programmation que la majorité des photographes. Votre caméra reflex moderne utilise probablement le système des zones pour calculer l’exposition, méthode que très peu de photographes maîtrisent.

Vous appréciez ce que vous voyez sur ce site? La plupart des images ont été faites à l’aide de ces modes automatiques à moins que des conditions spéciales n’exigent autre chose. J’avais l’habitude d’utiliser les réglages manuels, mais mes images étaient ennuyantes puisque je manquais les moments magiques.

J’expliquerai ce que vous avez vraiment besoin de savoir sur le plan technique à la fin de cette page.

Lorsque vous commencez, vous devez vous inquiéter quant à votre vision, vos sentiments, la composition et l’éclairage et NON au sujet de l’ouverture du diaphragme.

Oui, l’habilité technique, en fait, la virtuosité, est absolument nécessaire pour le succès en photographie. Toutefois, cette habilité n’est rien qu’un pré-requis obligatoire avec lequel il est alors possible de faire de belles images. Heureusement, cette maîtrise est aujourd’hui incorporée dans les caméras automatiques, ce qui simplifie grandement les choses. La maîtrise technique seule ne fait pas de bonnes photos; ce n’est qu’un des éléments nécessaires.

3.) VOTRE CAMÉRA N’A PAS D’IMPORTANCE

Honnêtement. Si vous me croyez, sautez à la prochaine section. Sinon, lisez obligatoirement le reste de cette page ici.

Si vous insistez pour sortir aujourd’hui et acheter une caméra, référez vous ici pour des caméras 35 mm peu dispendieuses et ici pour des caméras numériques.

4.) INTÉRÊT

Photographiez des sujets pour lesquels vous avez un véritable intérêt. Vous devez les trouver intéressants si vous voulez que les gens qui voient votre travail les trouvent, eux aussi, captivants.

5.) SUIVEZ VOTRE PROPRE VISION

Ne suivez pas les gourous, les professeurs, moi ou qui que ce soit.

Vous ne serez jamais meilleur que quelqu’un d’autre lorsqu’il s’agit d’être cette personne. Personne ne sera jamais meilleur à ce qu’Ansel faisait qu’Ansel lui-même. Pareillement, personne ne sera meilleur que vous-même pour faire ce que vous faites.

Soyez vous-même. Montrez vos passions. N’essayez pas de copier celles de quelqu’un d’autre.

Vous devez sortir, être vous-même et votre propre style se développera. Parce que vous appréciez le travail de quelqu’un d’autre, ne pensez jamais que vous devez faire la même chose.

Trouvez quelque chose qui vous passionne et explorez cela. Si vous aimez les figurines, les poubelles, les personnes âgées, les jolies filles nues, les enjoliveurs de roue, les traces laissées par les pneus dans la neige, les usines de traitement d’eaux usées, les animaux mignons, photographiez les.

Il n’y a pas de bonnes ou de mauvaises choses à photographier. Montrez nous ce qui vous excite.

Si rien ne vous emballe, vos photos seront moches. Trouvez ce que vous aimez et au diable ce que les autres pensent.

6.) VOYEZ, NE FAITES PAS SEULEMENT REGARDER

7.) TRANSMETTEZ CE QUE VOUS RESSENTEZ. DEMANDEZ-VOUS COMMENT VOUS POURRIEZ DÉCRIRE CE QUE VOUS RESSENTEZ À UNE PERSONNE AVEUGLE.

8.) IL N’Y A PAS DE RÈGLES

Il n’y a rien de bien et de mal. La règle des tiers n’est pas une règle obligatoire et les règles existent pour les idiots. Allez faire de bonnes photos. Une bonne image est celle que vous ou quelqu’un d’autre apprécie. Il n’y a pas de formules, de grades ou de scores.

9.) NE DEMANDEZ PAS POURQUOI QUELQUE CHOSE EST LÀ, MAIS COMMENT LUI DONNER UN SENS

10.) CRÉATIVITÉ

La créativité, c’est agréable, mais cela n’en fait pas nécessairement de l’art. Lorsqu’un bébé porte ses mains dans sa couche et peint le mur avec ce qu’il trouve là, c’est très créatif, mais ce n’est pas de l’art.

MATÉRIEL TECHNIQUE

Maintenant que vous avez lu jusqu’ici, laissez-moi vous donner quelques tuyaux.

1.) ÉCLAIRAGE

L’éclairage est absolument la question technique la plus importante qui existe. Apprenez aussi la composition et vous aurez solutionné à peu près tout ce dont vous avez besoin de vous inquiéter.

En premier lieu, vous devez développer une sensibilité pour percevoir la lumière lorsque vous êtes à l’extérieur; vous apprendrez par votre expérience comment cela se traduira sur l’image. Quand vous développerez cette sensibilité, vous deviendrez capable de saisir à quel moment la lumière est correcte pour capturer l’effet que vous recherchez; vous apprendrez aussi quand déposer votre caméra et manger votre repas. Avec ces compétences, vous découvrirez aussi comment modifier la lumière avec des réflecteurs ou des gazes simples pour vous aider à créer l’effet que vous recherchez.

Plus petit est votre sujet, plus simple cela sera de modifier la lumière. Les portraitistes, ainsi que les amateurs d’insectes ou de fleurs font ceci tout le temps; les photographes de paysages doivent habituellement attendre la lumière correcte.

Une simple feuille de papier A4 peut réfléchir suffisamment de soleil pour éclaircir les ombrages sur un visage.

Pour obtenir la bonne lumière sur une montagne, vous devrez peut-être attendre la bonne saison, la météo idéale et l’heure appropriée de la journée. C’est de cette façon qu’Ansel Adams a été capable de créer des images aussi remarquables : il vivait à Yosemite et il ne montrait de ses photos que celles qui étaient dotées d’un éclairage fantastique. Si vous vous pointez là en vacances et que vous photographiez sous n’importe quelle lumière disponible, vous n’obtiendrez vraisemblablement rien d’extraordinaire.

Chacun possède des goûts différents. Ceci est de l’art.

Vous devez soit créer votre propre éclairage en studio (avec parfois des tonnes d’équipement et de génératrices comme on fait sur les plateaux de tournage), soit avoir la patience d’attendre que la nature vous fournisse l’éclairage adéquat.

2.) PATIENCE

Comme expliqué plus haut pour obtenir la lumière correcte, la patience est requise lorsqu’il s’agit de photographier des paysages. Comme vous ne pouvez pas éclairer tout l’extérieur, vous avez seulement à attendre pour la bonne lumière.

Ceci est vraiment important!

Vous devrez peut-être attendre des heures, des jours, des mois, voire même des années pour obtenir le bon éclairage. Vous ne pouvez pas avoir des gens qui vous attendent. Si vous vous pressez, vous manquerez le moment magique.

3.) EXPÉRIENCE

Avec la pratique, vous apprendrez ce qui passe bien dans des photographies.

Une photographie n’est pas une reproduction exacte. Toutes les photographies introduisent une distorsion dans la réalité. Quand vous connaîtrez bien la façon dont vos matériaux interprètent la réalité, vous apprendrez à reconnaître sous quelles conditions vous obtenez les résultats que vous désirez. Connaissant ceci, vous commencerez à photographier plus souvent sous les bonnes conditions et, aussi, à les rechercher.

Vous apprendrez à quoi les choses doivent ressembler selon vos yeux pour obtenir les résultats que vous voulez dans une photographie.

Un indice est que le contraste à besoin d’être plutôt faible selon vos yeux pour être acceptable sur une photographie. Les photos augmentent le contraste.

4.) PRATIQUE

Les deux paragraphes qui suivent s’appliquent principalement si vous utilisez encore du film argentique comme média. Le numérique a changé certains de ces aspects.

Vous devez photographier assez souvent pour voir vos résultats lorsque vous pouvez encore vous rappeler comment vous sentiez la scène quand vous étiez là. Si vous travaillez encore en argentique, des clichés Polaroïd sont pratiques pour ceci : vous pouvez voir les résultats pendant que vous êtes encore là.

Idéalement, vous devriez développer vos films et voir les résultats le lendemain pendant que votre mémoire est encore fraîche. Si vous attendez des mois, vous ne pourrez jamais corréler vos résultats avec ce que vous ressentiez en captant l’image.

Vous devez savoir quels résultats vous obtiendrez lorsque vous ressentez quelque chose.

5.) ÉDITION

Ne montrez que vos images les plus fortes.

Jetez la plupart des clichés que vous prenez. Je le fais. La plupart de mes photos sont affreuses!

Passez à travers les quelques images que vous avez conservées et mettez-les toutes de côté, sauf pour la plus marquante d’entre elles.

La prochaine fois, révisez ce que vous avez conservé de plusieurs sessions photographiques et mettez-en encore de côté.

Il ne s’agit pas de peinture. En photographie, il est requis de jeter la majorité des images que vous faites.

Si vous sauvegardez et montrez seulement vos images les plus intéressantes, vous verrez que l’ensemble de votre travail va s’améliorer. Devinez quoi : comme vous montrez seulement vos meilleures photographies, la perception que les autres ont de votre travail va s’améliorer.

Pensez-vous que je récupère en une session photographique l’ensemble des images que vous voyez dans ma galerie? Bien sûr que non. La plupart des choses que je photographie ne sont pas intéressantes. Je suis seulement assez bon pour en jeter la majorité et ne montrer que le meilleur matériel.

Ansel Adams a dit que si vous pouvez produire une image forte par année, vous êtes sur la bonne voie. Ne vous attendez pas à des miracles à chaque session, ou même à chaque mois. Ansel ne s’y attendait pas, je ne l’espère pas et je crois que personne d’autre ne peut y compter.

6.) FILM

J’ai écrit une page complète ici. Votre choix de film est très important pour l’apparence de vos images.

Évitez les pellicules pour impression, qui sont celles utilisées par 95% des amateurs, mais procurent des résultats trop variables. J’utilise des pellicules pour diapositives.

Je vous réfère à cette page au sujet des films pour plus d’information à ce sujet.

7.) COMPENSATION D’EXPOSITION : votre contrôle Éclaircir/Assombrir

Oubliez ceci si vous utilisez des pellicules pour impression. Autant que vous essaierez d’avoir l’exposition correcte, cela sera habituellement compensé au laboratoire photo quand vos négatifs seront imprimés. C’est pourquoi je suggère fortement le numérique ou les diapositives sur ma page au sujet des films.

Si vous utilisez du numérique, des diapositives ou que vous faites vos propres impressions, alors portez attention.

Prenez suffisamment d’images pour apprendre sous quelles conditions elles sont trop claires ou trop sombres. Si vous trouvez qu’elles sont toujours trop claires ou trop sombres, alors voici les quantités à compenser.

Ne soyez pas gêné. Aucune caméra n’est parfaite et il est presque toujours nécessaire d’ajuster la compensation pour certains clichés. Cela m’a pris beaucoup de temps pour apprendre ceci : je pensais que ma caméra était plus intelligente que moi. C’est le cas la plupart du temps, mais pas toujours. C’est à ces moments que vous devez utiliser la compensation d’exposition.

Il n’y a pas de règles ici, seulement des repères. Faites ce qu’il vous semble correct pour vous.

Idéalement, vous devriez apprendre le système des zones, puisqu’alors vous obtiendrez des expositions parfaites à tous les coups, sans devinette ou sans essais systématiques en plus ou en moins. La connaissance du système des zones rendra cette notion de compensation d’exposition beaucoup plus claire.

Voici ce que chaque réglage fait. Ceci n’est pas un remplacement du système des zones :

0 : si vos photos ont bonne apparence, alors il n’y a pas de compensation à faire.

+1 : ceci est un bon commencement pour des choses qui semblent trop sombres, comme des objets blancs par une journée nuageuse. La position +1 fera passer un gris moyen à un gris moyen pâle. Ceci est une position fréquente que j’utilise souvent sur des caméras plus âgées sans exposition matricielle moderne ou posemètre évaluatif. Par exemple, utilisez cette position si le sujet est un granite pâle ou un stuc de Californie. Un sujet complètement jaune et qui remplit totalement votre viseur pourra nécessiter +2/3.

+2 : ceci est une correction très forte pour quelque chose qui sort beaucoup trop foncé. Si un objet apparaît gris moyen et que vous appliquez +2 crans, vous obtiendrez du blanc. Sur une vieille caméra ou avec un posemètre manuel, vous devrez utiliser autant de compensation pour rendre la neige ou le sable blanc.

-1 : je n’utilise habituellement jamais ce réglage. Ceci prendra un gris moyen et le rendra gris foncé.

-2 : n’utilisez jamais à moins d’avoir une caméra défectueuse. Ceci rendra un gris moyen, ou toute autre tonalité, en un gris très foncé, presque noir. Vous n’emploierez ceci qu’avec un posemètre spot pour régler les ombrages dans le système des zones, et non comme position sur le réglage de compensation d’exposition.

8.) TOUT SUR L’UTILISATION DU FLASH

QUAND UTILISER LE FLASH

La plupart des photographes amateurs déclenchent le flash exactement au mauvais moment, les assurant d’obtenir des images de qualité amateur. L’utilisation appropriée du flash est beaucoup plus importante que le type d’appareil que vous avez. Tout appareil sans réglage utilisé correctement produira de meilleurs résultats que n’importe quel Leica, Canon ou Nikon utilisé de la façon dont la plupart des amateurs les traitent.

La plupart des personnes laissent le flash fermé le jour, ce qui amène la lumière dure et laide du soleil sur le visage de leurs amis. Mettre le flash en fonction par un jour de soleil brillant aidera à éclaircir les ombrages pour les rendre plus naturels. Sur les appareils simples, poussez le bouton du flash plusieurs fois jusqu’à la vignette du flash apparaisse; sur un Nikon, allumez le flash. Pour les photos en contrejour, vous serez capable de voir vos amis plutôt que d’obtenir uniquement des silhouettes.

MODES DE SYNCHRONISATION

La plupart des personnes utilisent mal le flash à l’intérieur ou en basse lumière la nuit. L’utilisation du flash à l’intérieur avec le mode de synchronisation par défaut produit des arrière-plans noirs et laids et des personnages délavés. Ce qui est pire, ces fonds noirs mêlent les imprimantes qui produisent alors des tirages trop pâles; les pauvres photographes blâment alors leur caméra de surexposer leurs images au flash!

Si vous réalisez du travail de studio ou de la macrophotographie éclairée avec flash, l’utilisation la synchronisation rapide est adéquate. Par contre, ce n’est pas ce que font la plupart des photographes ordinaires.

Avec les caméras jetables, il n’y a aucun choix possible. Avec la plupart des caméras simples et tous les Nikons, vous pouvez fermer le flash et utiliser la lumière ambiante si votre sujet est relativement immobile. Pour photographier des gens ou des objets qui bougent, utilisez le flash en mode lent arrière (Slow Rear) ou lent (Slow).

Ces modes lents existent sur la plupart des caméras simples. De façon typique, le bouton de flash est poussé jusqu’à ce qu’une icône de lune et de ville apparaisse (Night mode).

Les modes de synchronisation lente permettent à la caméra de faire des expositions suffisamment longues de l’arrière-plan en lumière ambiante pour le rendre d’aspect naturel. Autrement, cela aura toujours l’air beaucoup trop sombre avec la vitesse 1/60 seconde utilisée par la plupart des gens. Les photographes ignorants utilisent la synchronisation à 1/250 seconde pour la photo intérieure et rendent l’effet encore pire. Il est préférable d’utiliser la plus basse vitesse que vous pouvez, comme 1/30 seconde, si vous réglez la vitesse de façon manuelle.

Les modes lent (Slow) et lent arrière (Slow Rear) produisent les mêmes vitesses d’exposition et ouvertures de diaphragme. Le mode lent (Slow) déclenche le flash au début de l’exposition, tandis que le mode lent arrière (Slow Rear) l’allume à la fin.

Ceci a une importance si vous avez une exposition suffisamment longue pour produire un bougé. Si c’est le cas, le déclenchement du flash au début de l’exposition fera apparaître le sujet comme s’élançant vers l’arrière à partir de l’image fantôme figée par le flash. Vous voyez l’image et le bougé est visible à l’avant. Mauvais. Le mode lent arrière (Slow Rear) inverse cet effet et produit l’illusion que le sujet bouge en avant de l’image fantôme. Vous voyez un bougé et, ensuite, le flash se déclenche à la fin (avant) du bougé. Cela ferait peut-être plus de sens de renommer le mode lent arrière comme une synchronisation avant, mais il s’agit alors d’une tout autre histoire.

Comme le mode lent arrière déclenche le flash à la fin d’une longue exposition, cela sert à un autre but : les gens pensent que la photo est prise lorsque le flash s’allume; par conséquent, comme le flash déclenche à la fin de l’exposition, les gens restent immobiles et souriants pendant tout le temps que l’obturateur reste ouvert en attendant que la caméra prenne la photo. Ce truc ne fonctionne plus en numérique et avec les caméras argentiques récentes puisque la plupart émettent des pré-flash très visibles avant l’exposition. (Les compagnies de caméras mentent en disant qu’ils sont invisibles.) Vous obtiendrez alors des effets de double exposition au flash.

Évidemment, si vous essayez de geler le mouvement, vous ne pourrez pas le faire en mode lent. Vous obtiendrez des trainées floues derrière les gens, comme vous les voyez tout le temps dans le magazine de la National Geographic Society. Ces filés transmettent une impression de mouvement et je les apprécie.

DIFFUSION DU FLASH

Un flash sur une caméra produit la lumière la plus désagréable possible. Pour atténuer les ombrages en plein soleil, ceci est habituellement adéquat. Toutefois, vous obtiendrez des résultats plus naturels en utilisant un diffuseur bon marché, si votre sujet est suffisamment près. Plusieurs professionnels ne réalisent même pas ceci et vous verrez des photographes reconnus suggérer de diminuer le niveau du flash d’un cran ou deux. Ils sont obligés de faire cela parce la lumière violente du flash sur la caméra peut rendre l’effet non naturel. Si vous diffusez le flash (aussi simple que de le réfléchir sur un carton blanc), alors vous pourrez laisser la caméra utiliser l’intensité normale du flash. Cela donnera un effet plus naturel à cause de la diffusion et cela sera plus efficace puisque non amputé d’un cran ou deux.

Je préfère le réflecteur Lumiquest à 20 dollars qui se replie à plat dans ma valise et s’attache avec du Velcro. Veuillez noter que la surface du réflecteur est beaucoup plus grande que la lentille du flash lui-même, donnant une qualité beaucoup plus douce à la lumière.

FLASH D’APPOINT INTÉRIEUR

Voici comment vous pourrez obtenir un bon flash d’appoint en intérieur avec la plupart des caméras reflex :

a.) Réglez la caméra en mode lent

b.) Pointez le flash monté sur la caméra vers le plafond

c.) Sortez la petite carte blanche prévue à cet effet ou fixez-en une avec une bande élastique derrière le flash de façon à ce qu’une petite quantité de lumière la frappe et réfléchisse vers l’avant. Cette réflexion provenant de la carte donnera de beaux éclats aux yeux tandis que la majorité de la lumière montera au plafond pour emplir la pièce d’une lumière d’appoint douce et naturelle. (Truc : si la lumière dans votre pièce est trop sombre pour produire un temps d’exposition relativement court avec le mode lent, vous pouvez essayer la synchronisation normale. Alors, toute l’image est éclairée seulement par le rebond du flash au plafond et par la faible quantité de lumière directe provenant de la petite carte blanche. Dans ce cas, vous pouvez oublier les filtres de compensation couleur mentionnés à l’item e.) plus bas.)

d.) Réglez le flash au mode d’exposition TTL. Ceci varie d’une marque de caméra à l’autre. Vous désirez le mode qui va mélanger automatiquement les niveaux de lumière ambiante avec le flash.

e.) Filtrez le flash pour correspondre à la couleur de la lumière ambiante et réglez votre caméra pour la teinte correspondante. De cette façon, la lumière ambiante et le flash d’appoint seront semblables. Évidemment avec une caméra numérique, vous réglez la balance des blancs pour correspondre à l’éclairage de la pièce et vous mettez un gel coloré sur le flash pour l’éclairage au tungstène ou fluorescent. Pour quelques dollars, vous pouvez trouver ces filtres en gel, disponibles en feuilles, dans les magasins vendant des articles de scène ou d’éclairage dans la plupart des villes de bonne taille.

9.) VITESSE D’EXPOSITION POUR L’EAU

1/500 seconde en vitesse d’exposition stoppe tout. Ceci ne ressemble pas à ce que nos yeux voient. C’est ce que vous retrouvez dans les magazines de surf où chacune des gouttes d’eau est figée.

1/30 seconde rend un aspect à peu près naturel à de l’eau qui bouge; c’est l’effet que vous recherchez.

1/8 seconde procure un joli flou.

1 seconde rend l’eau vraiment lisse comme ceci.

Quelques secondes ou minutes d’exposition commencent à rendre l’eau turbulente semblable à un brouillard. Voici un exemple.

Dans ces exemples, les vagues habituelles arrivaient continuellement et se brisaient sur les rochers.

10.) TRUCS POUR DE BELLES PHOTOGRAPHIES EN NOIR ET BLANC

Un filtre jaune (K2, #8, Y48, etc.) est requis à l’extérieur avec une pellicule noir et blanc, sinon les cieux bleus seront complètement délavés. Vous pouvez consulter ma page sur les filtres. Un filtre jaune est requis pour donner des résultats plus naturels à l’extérieur puisque le film est beaucoup plus sensible au bleu que nos yeux. Le filtre jaune fait correspondre la réponse du film à celle de nos yeux. Ceci empêche le ciel bleu foncé d’apparaître aussi clair que les nuages, si le filtre n’avait pas été utilisé.

Consultez mes trucs au sujet des pellicules noir et blanc, de l’exposition, du développement et de l’impression environ à mi-chemin de ma page sur les films. Si vous n’avez pas le temps de les consulter, voici quelques suggestions de base :

1.) Réglez votre caméra pour un cran d’exposition de plus que le film est spécifié. La plupart des pellicules produisent un cran de sous-exposition et des ombrages ennuyeux. En d’autres mots, soit ajustez manuellement votre vitesse ISO à la moitié de ce que dit la boîte, ou bien réglez la compensation d’exposition à +1.

2.) Si vous faites du post-traitement en numérique, vous pouvez utiliser les pellicules couleur normalement (sans filtre) et convertir en noir et blanc dans Photoshop. Les raisons pour ceci sont : a.) ICE (l’atténuation des poussières et des égratignures disponible sur tous les bons numériseurs) fonctionne avec des pellicules couleurs, mais non en noir et blanc; b.) vous pouvez choisir le mélange des canaux de couleur dans Photoshop pour sélectionner des effets de filtre sans avoir à utiliser de filtre pour la photo originale! Anciennement, vous deviez exposer la pellicule noir et blanc à travers un filtre, alors qu’aujourd’hui la pellicule couleur fixe de façon efficace les couches de couleur à l’aide de filtres internes divers; vous pouvez alors les choisir ou les mélanger plus tard à l’aide de votre ordinateur. Autrefois, je devais parfois prendre plusieurs images avec des filtres différents; aujourd’hui, je saisis l’image seulement une fois en pellicule couleur si je fais un post-traitement numérique monochrome.

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